Fotografía de Retrato

 Tema: Fotografía de Retrato

Evidencia de aprendizaje: 

EXPONE FOTOGRAFÍAS CREATIVAS INCLUYE COMPOSICIÓN FOTOGRÁFICA Y ENCUADRES

Explicación : 

Descubriendo la Fotografía de Retrato

¿Alguna vez has tomado una foto de alguien? Si lo hiciste, ¡entonces ya conoces un poquito sobre la fotografía de retrato! Este tipo de fotografía se trata de capturar la esencia de una persona en una imagen. La idea es mostrar quién es esa persona: cómo se siente, cómo se ve, o incluso qué historia quiere contar su cara.

¿Qué es un Retrato?

Un retrato es una foto que pone especial atención en una persona, normalmente en su cara. Pero también puede mostrar otras partes, como las manos, el cuerpo, o incluir objetos que cuenten algo sobre ella. ¿Alguna vez has visto una foto de alguien sonriendo o mirando al horizonte? Ese es un retrato.

¿Cómo hacer un buen retrato?

No necesitas una cámara profesional para hacer un buen retrato. Aquí tienes algunos consejos:

1. Encuentra una buena luz: Si tomas la foto al aire libre, ¡la luz del sol es tu amiga! Busca un lugar donde la luz no sea muy fuerte, como bajo la sombra de un árbol.
2. Haz que la persona se sienta cómoda: Habla con la persona que vas a fotografiar para que se relaje. ¡Las mejores fotos salen cuando todos se sienten bien!
3. Prueba diferentes ángulos: Intenta tomar fotos desde distintas posiciones: de frente, de lado o desde abajo.
4. Cuenta una historia: Un retrato no es solo una cara. Pídele a la persona que lleve algo especial (como su juguete favorito o una gorra) para mostrar más sobre quién es.

Retratos en Todas Partes

Los retratos están en todas partes: en álbumes familiares, en portadas de libros, y hasta en las redes sociales. ¿Sabías que incluso un selfie es una forma de retrato? La fotografía de retrato ha cambiado mucho con el tiempo, pero lo más importante siempre es mostrar cómo es una persona en ese momento único.

¡Crea tus propios retratos!

Ahora que ya sabes un poco más sobre la fotografía de retrato, ¡anímate a hacer tus propias fotos! Pídele a tus amigos o familiares que posen para ti, o tómate un selfie divertido frente al espejo. ¿Qué emoción quieres mostrar en cada foto? Recuerda que cada retrato es una historia por descubrir.

Pedro y el lobo

Tema: El Stop Motion 

Evidencia de aprendizaje: 

CONSTRUYE ESCENARIO PARA LA PRODUCCIÓN DEL STOP MOTION

Explicación:

"Pedro y el Lobo" (2006) es un cortometraje animado en stop motion dirigido por Suzie Templeton, que ganó el Oscar al Mejor Cortometraje Animado en 2008. Esta obra es una adaptación única del cuento sinfónico creado por Serguéi Prokófiev en 1936, pero con un giro más oscuro y contemporáneo en su narrativa y estética.

Sinopsis

El corto cuenta la historia de Pedro, un niño solitario que vive con su abuelo en una casa rural. Un día, desobedece las órdenes del abuelo y sale a explorar el bosque con su pato y su gato como compañeros. Durante su aventura, Pedro se enfrenta a un lobo feroz, en una trama donde la valentía, la amistad y el instinto juegan un papel crucial. La historia conserva la esencia del cuento clásico, pero introduce elementos más maduros, como la soledad y la superación del miedo.

Estilo y Animación

Esta versión destaca por su impecable trabajo en stop motion, un proceso en el que cada figura y escenario fue meticulosamente creado y fotografiado para dar la ilusión de movimiento fluido. Los personajes, marionetas detalladas hechas a mano, tienen expresiones sutiles que transmiten emociones complejas sin necesidad de diálogos, haciendo que la música y la animación se conviertan en los principales vehículos narrativos.

Reconocimientos

El cortometraje fue aclamado internacionalmente por su originalidad y su dirección artística. Su victoria en los Premios Oscar 2008 consolidó su lugar como una obra maestra del stop motion, destacando por su capacidad para conmover tanto a niños como a adultos. También fue reconocida en varios festivales de cine, como el Festival Internacional de Animación de Annecy.

"Pedro y el Lobo" (2006) no es solo una reinterpretación del clásico de Prokófiev, sino una pieza que combina magistralmente la música, el arte y la narrativa visual, dejando una huella duradera en el cine animado.

Los estudios Laika

 Tema: Los estudios Laika

Evidencia de aprendizaje: 

1. CONSTRUYE ESCENARIO PARA LA PRODUCCIÓN DEL STOP MOTION

Explicación : Hoy continuamos con el estudio del Stop motion y analizamos las escenografías que se utilizan en este tipo de producciones. A continuación encontraras el enlace de la pelicula de El vientos en los Sauces y un texto sobre los estudios Laika, los más importantes del Stop Motion. 

Los Estudios Laika

Laika es un estudio de animación estadounidense conocido por su especialización en stop-motion. Fue fundado en 2005 por Phil Knight, cofundador de Nike, y actualmente es dirigido por su hijo Travis Knight. Laika se ha ganado reconocimiento por su estilo artesanal y narrativas que combinan elementos fantásticos con temas profundos y emotivos.

El estudio debutó con Coraline (2009), una adaptación de la novela de Neil Gaiman, que recibió elogios por su creatividad visual y atmósfera oscura. Luego lanzó películas como ParaNorman (2012), The Boxtrolls (2014), y Kubo and the Two Strings (2016), esta última nominada a dos premios Oscar. En 2019, estrenaron Missing Link, que ganó un Globo de Oro aunque tuvo resultados comerciales modestos​.

Laika no solo trabaja en animación; recientemente anunció su incursión en el cine de acción real, adaptando la novela Seventeen de John Brownlow. Además, están en proceso de producir nuevas películas como Wildwood y The Night Gardener. En 2024, también adquirieron los derechos para adaptar Piranesi de Susanna Clarke, demostrando su interés por historias complejas y sofisticadas​.

La técnica detallada y los diseños elaborados de Laika lo posicionan como uno de los estudios más innovadores en la animación contemporánea, consolidando su lugar con un enfoque único que mezcla lo artesanal con lo fantástico.

Los tipos de Stop Motion

Tema: Los tipos de Stop Motion 

Evidencia de aprendizaje: 

1. CREA COMPOSICIONES BASÁNDOSE EN LAS IMÁGENES Y CARACTERÍSTICAS VISUALES DE LAS MISMAS

2. ENTIENDE LA IMAGEN COMO MEDIO INFORMATIVO, EDUCATIVO Y COMUNICATIVO

3. ELABORA  COMPOSICIONES ARMONIOSAS DE OBJETOS INANIMADOS

Explicación : 

Tipos de Stop Motion

El stop motion es una técnica de animación que consiste en manipular objetos físicamente y fotografiar cada pequeño movimiento para crear la ilusión de vida al reproducir la secuencia de imágenes en orden. A lo largo de los años, se han desarrollado varias variantes de esta técnica, cada una con su propio estilo y materiales específicos. A continuación, los tipos más destacados:

1. Claymation (Plastilina o Arcilla)

En este tipo de stop motion, los personajes y escenarios se moldean en arcilla o plastilina, lo que permite modificar sus formas fácilmente entre cada fotograma.

Ejemplos:

Wallace y Gromit

Shaun the Sheep

Chicken Run

Ventajas:

Permite crear personajes expresivos y orgánicos.

Desventajas:

El calor o el uso excesivo puede deformar los modelos, complicando el trabajo.

2. Puppet Animation (Animación con Marionetas)

Aquí se utilizan marionetas articuladas que suelen tener esqueletos metálicos internos (armaduras) que permiten darles estabilidad y fluidez al movimiento.

Ejemplos:

Coraline

El extraño mundo de Jack

Kubo and the Two Strings

Ventajas:

Permite crear movimientos complejos y personajes estilizados.

Desventajas:

Las marionetas son caras y requieren un alto nivel de detalle.

3. Cut-Out Animation (Animación con Recortes)

Esta técnica utiliza figuras planas recortadas en papel, tela o cartón. Las piezas individuales (como brazos o piernas) se mueven entre fotogramas para crear animaciones.

Ejemplos:

South Park (en sus primeras etapas)

El Viaje de Gulliver

Ventajas:

Es una técnica más rápida y económica.

Desventajas:

Las animaciones son limitadas en cuanto a profundidad y dinamismo.

4. Pixilation

En este tipo de stop motion se utiliza a personas reales como "marionetas". Los actores se mueven de forma segmentada entre fotogramas, simulando movimientos poco naturales y mecánicos.

Ejemplos:

El corto Neighbours de Norman McLaren

Videos musicales o comerciales experimentales

Ventajas:

Puede generar efectos visuales surrealistas.

Desventajas:

Requiere paciencia y coordinación del equipo y actores.

5. Object Animation (Animación con Objetos)

Esta variante se enfoca en dar vida a objetos cotidianos, como juguetes, cubiertos, o herramientas, para que parezcan actuar por sí mismos.

Ejemplos:

Los videos experimentales del animador PES (como Fresh Guacamole)

Ventajas:

Se pueden usar objetos comunes, reduciendo costos.

Desventajas:

Los objetos rígidos limitan las expresiones faciales y corporales.

6. Brickfilm (Animación con Piezas de LEGO u Otras Construcciones)

Este tipo de stop motion usa figuras de LEGO o similares para crear historias. Los personajes y escenarios se construyen con las piezas de los sets.

Ejemplos:

The LEGO Movie (inspirada en esta técnica)

Muchos cortos independientes en YouTube

Ventajas:

La modularidad de LEGO permite crear fácilmente personajes y entornos.

Desventajas:

Las limitaciones de las piezas pueden afectar la fluidez del movimiento.

7. Silhouette Animation (Animación de Siluetas)

Consiste en usar figuras recortadas en forma de sombras o siluetas, que se colocan sobre un fondo iluminado para crear contrastes.

Ejemplos:

Las películas de Lotte Reiniger, como Las Aventuras del Príncipe Achmed

Ventajas:

Estéticamente atractiva y única.

Desventajas:

Las sombras limitan los detalles expresivos de los personajes.

Conclusión

El stop motion es una técnica versátil que permite una gran libertad creativa al animador, con estilos que varían según los materiales y propósitos del proyecto. Cada tipo ofrece ventajas y desafíos únicos, pero todos comparten la paciencia, la precisión y la imaginación como ingredientes fundamentales.

Historia del Stop motion

El stop motion es una técnica de animación que consiste en fotografiar objetos o figuras mientras se manipulan ligeramente entre cada toma, creando la ilusión de movimiento cuando las imágenes se reproducen en secuencia. Esta técnica tiene una larga historia que se remonta a los primeros días del cine.

Los inicios

El origen del stop motion se sitúa en los albores del cine. En 1898, Albert E. Smith y J. Stuart Blackton crearon una de las primeras películas con stop motion, llamada The Humpty Dumpty Circus, en la que utilizaban juguetes articulados para representar una actuación circense. Aunque este corto se ha perdido con el tiempo, su importancia radica en ser uno de los pioneros del uso de esta técnica.

Desarrollo en el siglo XX

Uno de los hitos más importantes fue en 1907 con la película The Haunted Hotel, creada por James Stuart Blackton, que impactó al público de la época con sus efectos visuales. El stop motion cobró más notoriedad en las décadas siguientes, siendo utilizado principalmente para efectos especiales en películas de fantasía y ciencia ficción.

En los años 30, el animador Willis O'Brien revolucionó la técnica con su trabajo en King Kong (1933), en la que usó figuras articuladas para animar al famoso gorila. O'Brien fue un precursor en combinar stop motion con actores reales, lo que elevó el potencial narrativo de la técnica.

La era dorada

A mediados del siglo XX, el maestro del stop motion Ray Harryhausen, discípulo de O'Brien, perfeccionó la técnica y la llevó a nuevas alturas con películas como Jason and the Argonauts (1963) y The 7th Voyage of Sinbad (1958). Sus innovaciones en el uso del "dynamation" (una forma avanzada de combinar actores reales con criaturas animadas) le aseguraron un lugar destacado en la historia del cine.

El renacimiento moderno

Con la llegada de los efectos digitales en los años 90, el stop motion pareció caer en desuso, pero algunos cineastas y estudios lo mantuvieron vivo, destacando películas como The Nightmare Before Christmas (1993) de Tim Burton y Henry Selick, que se convirtió en un clásico de culto.

Estudios como Laika han seguido innovando en el campo del stop motion con películas como Coraline (2009) y Kubo and the Two Strings (2016), combinando técnicas tradicionales con herramientas digitales para crear mundos visualmente impactantes.

El futuro del stop motion

Aunque el CGI ha dominado la industria de los efectos especiales y la animación, el stop motion sigue siendo valorado por su estética única y artesanal. La técnica, que requiere gran paciencia y precisión, continúa atrayendo a cineastas y animadores que buscan un enfoque más tangible y manual en la creación de imágenes en movimiento.

Temas Ata1 Cuarto periodo

 Temas Ata1

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El fotograma y la imagen en movimiento

 El fotograma y la imagen en movimiento son conceptos fundamentales en el cine y la videografía, pues son la base sobre la cual se construye el medio audiovisual.

Fotograma e Imagen en Movimiento

Fotograma

Un fotograma es una única imagen estática que, junto con otros fotogramas, forma parte de una secuencia en una película o video. Es la unidad mínima de una película. Cuando se proyectan varios fotogramas en rápida sucesión (por ejemplo, 24 fotogramas por segundo en el cine tradicional), se crea la ilusión de movimiento continuo.

Cada fotograma captura un momento específico, y cuando se presentan en secuencia, los cambios mínimos entre ellos hacen que nuestro cerebro interprete el conjunto como una imagen en movimiento. Los primeros experimentos en cine, como el zoótropo y el kinetoscopio, se basaron en este principio.

Imagen en Movimiento

La imagen en movimiento es el término que describe lo que ocurre cuando se proyectan o reproducen rápidamente estos fotogramas. Es la base del cine, la televisión, la animación y el video. La continuidad de la imagen en movimiento depende de la cantidad de fotogramas por segundo (fps), que debe ser lo suficientemente alta para que el espectador perciba un movimiento fluido y natural.

Planos en Fotografía y Cine

Los planos en fotografía y cine son maneras de encuadrar una imagen. El plano determina qué tan cerca o lejos está el sujeto de la cámara, y tiene un impacto significativo en la narrativa visual y la emoción que transmite una imagen o secuencia.

Relación entre Fotograma, Imagen en Movimiento y Planos

En el cine, cada fotograma puede contener un plano específico, y al juntar estos fotogramas en una secuencia, se crea una narración visual que guía al espectador a través de diferentes emociones, perspectivas y momentos. Los directores y fotógrafos eligen cuidadosamente los planos para contar su historia de manera efectiva, utilizando la distancia, el encuadre y el movimiento de la cámara para impactar al espectador.

La combinación de fotogramas, imágenes en movimiento y diferentes planos forma el lenguaje visual que caracteriza al cine y la fotografía.

¿Que hace el director de fotografía?

Las Funciones del Director de Fotografía: El Ojo Artístico Detrás de la Cámara

En la industria audiovisual, el director de fotografía (o DP, por sus siglas en inglés) es una de las figuras clave para transformar la visión del director en imágenes cautivadoras. Aunque el público a menudo se enfoca en los actores y la narrativa, es el director de fotografía quien da vida a la atmósfera visual que envuelve cada escena. Su rol es tanto técnico como artístico, y sus decisiones tienen un impacto profundo en la calidad y el tono de la producción.

Diseño de la Iluminación: Creando la Atmósfera

Una de las principales responsabilidades del director de fotografía es el diseño y control de la iluminación. La luz no solo ilumina a los personajes y escenarios, sino que también establece el estado de ánimo y la atmósfera de la escena. Por ejemplo, una iluminación suave y cálida puede evocar intimidad o nostalgia, mientras que una iluminación dura y contrastada puede crear tensión o peligro. El DP trabaja en estrecha colaboración con el equipo de iluminación para lograr el efecto deseado, eligiendo el tipo de luces, la intensidad y la dirección de las mismas.

Selección y Manejo de Cámaras: La Herramienta Principal

El director de fotografía también es responsable de seleccionar las cámaras y lentes adecuados para el proyecto. Estas decisiones afectan directamente la calidad de la imagen, la profundidad de campo y la perspectiva. Dependiendo de la narrativa, el DP puede optar por una cámara que ofrezca un aspecto más cinematográfico o una que sea más adecuada para escenas de acción en movimiento rápido. Además, el DP supervisa el posicionamiento de las cámaras en cada toma, asegurándose de capturar el encuadre perfecto para transmitir la emoción y la intención de la escena.

Composición de la Escena: El Arte del Encuadre

La composición de la escena es otra área donde el director de fotografía ejerce su creatividad. Al decidir cómo se enmarcan los personajes y elementos dentro de la pantalla, el DP guía la mirada del espectador y enfatiza aspectos importantes de la historia. La regla de los tercios, la simetría, el uso de líneas de dirección y el equilibrio de los colores son algunas de las herramientas que utiliza para crear imágenes visualmente atractivas y narrativamente efectivas.

Colaboración con el Director: La Visión Compartida

El director de fotografía trabaja en estrecha colaboración con el director de la película o serie para asegurarse de que la visión artística de la producción se refleje en cada toma. Juntos, discuten y planifican el estilo visual que mejor sirve a la narrativa, ya sea realista, estilizado, oscuro o vibrante. Esta colaboración es fundamental, ya que el DP traduce las ideas abstractas del director en decisiones concretas sobre iluminación, encuadre y movimiento de cámara.

Control del Color: La Paleta Visual

El manejo del color es otra función clave del director de fotografía. Ya sea a través del uso de filtros, la selección de vestuario y escenarios, o en la postproducción, el DP influye en la paleta de colores de la película. El color puede ser utilizado para resaltar temas, simbolizar emociones o crear un contraste visual entre diferentes elementos de la historia.

Supervisión de la Postproducción: Asegurando la Consistencia

Aunque la mayoría del trabajo del DP ocurre durante la filmación, su influencia se extiende a la postproducción. El DP colabora con los editores y los coloristas para asegurarse de que la imagen final mantenga la consistencia y la calidad visual establecida durante el rodaje. Esto incluye la corrección de color, el ajuste de los niveles de iluminación y la integración de efectos visuales.

Conclusión

El director de fotografía es esencial para el éxito visual de cualquier producción audiovisual. Su habilidad para manipular la luz, la cámara y la composición define la estética de la obra y potencia la narrativa. Aunque su trabajo a menudo pasa desapercibido para el público general, es fundamental para crear la atmósfera y el impacto visual que hacen de una película o serie algo inolvidable.

 

La fotografía en el cine de autor

Quentin Tarantino es sin duda uno de los cineastas más influyentes y reconocidos de las últimas décadas. Desde joven mostró gran interés y pasión por el cine, trabajando en una tienda de alquiler de videos donde profundizó su conocimiento sobre el séptimo arte. Es un "cinéfilo" por su amplio conocimiento y admiración hacia el cine clásico, de género y de culto.

Tarantino es considerado uno de los directores de cine de autor más importantes y reconocidos de las últimas décadas. Su estilo e influencia se perciben en muchos cineastas posteriores, revitalizando el cine independiente y de autor en Hollywood. Es una figura clave en la historia del cine contemporáneo, con una obra que se caracteriza por su sello personal y su visión artística única.

Estilo visual distintivo: Como mencioné anteriormente, Tarantino tiene un estilo visual muy reconocible, con planos y encuadres característicos, una paleta de colores definida, y un uso particular de la música y los efectos de sonido.

Narrativa no lineal: Sus películas a menudo utilizan estructuras narrativas no lineales, con flashbacks, saltos en el tiempo y superposición de líneas temporales. Esto le permite explorar temas de forma más creativa y evocadora.

Intertextualidad y referencias culturales: Tarantino es un gran admirador del cine clásico y de género, y llena sus películas de referencias, citas y homenajes a diversos estilos y géneros cinematográficos. Esto lo convierte en un director muy culto y "cinéfilo".

Temas recurrentes: Hay ciertos temas que se repiten en su obra, como la venganza, la violencia, las relaciones de poder, el honor y la redención. Explora estos temas de manera compleja y multidimensional.

Personajes icónicos: Tarantino crea personajes memorables y carismáticos, que se convierten en íconos culturales, como Jules y Vincent de "Pulp Fiction" o The Bride de "Kill Bill".

Diálogos memorables: Sus diálogos son famosos por ser ingeniosos, inteligentes y con un gran dominio del lenguaje y la jerga popular.

Influencia y legado: Tarantino es una figura clave en la revitalización del cine independiente y del cine de autor en Hollywood a partir de los años 90. Su estilo e influencia se perciben en muchos directores posteriores.

En resumen, Quentin Tarantino es considerado un director de cine de autor por su fuerte sello personal, su enfoque autoral, su visión artística única y su capacidad de crear obras que trascienden lo puramente comercial. Es un cineasta cuya obra ha dejado una huella imborrable en la historia del cine contemporáneo.

Sin duda, la fotografía juega un papel fundamental en el cine de Quentin Tarantino y en el cine de autor en general. Aquí algunos puntos clave sobre la importancia de la fotografía en estos contextos:

Estilo visual distintivo: Tarantino es conocido por tener un estilo visual muy particular y reconocible. La fotografía es clave para construir este estilo, con encuadres, ángulos de cámara, iluminación y paleta de colores específicos que se convierten en la "firma" visual de sus películas.

Narrativa y caracterización: La fotografía no es simplemente un elemento decorativo, sino que ayuda a contar la historia y a desarrollar a los personajes. Los encuadres, los movimientos de cámara y el uso de la luz revelan información sobre la psicología de los personajes, sus motivaciones y el tono emocional de las escenas.

Influencias cinematográficas: Tarantino es conocido por rendir homenaje a estilos y géneros clásicos del cine, y la fotografía es clave para evocar estas referencias. Por ejemplo, el uso del blanco y negro, la profundidad de campo o los ángulos inusuales pueden evocar el cine noir o el cine de samurái japonés.

Simbolismo y metáforas visuales: La fotografía en el cine de autor a menudo va más allá de lo meramente descriptivo, utilizando imágenes simbólicas o metafóricas para transmitir ideas y emociones de manera más poética y sugerente.

Colaboración creativa: En el cine de autor, la relación entre el director y el director de fotografía suele ser muy estrecha y colaborativa, pues juntos construyen la identidad visual de la película.

La fotografía no es un elemento accesorio en el cine de Tarantino y el cine de autor, sino que es fundamental para crear un estilo visual distintivo, contar historias de manera evocativa y transmitir el sello personal del director. Es una herramienta esencial para la expresión artística en el séptimo arte.

La fotografía en el cine

La fotografía en el cine, conocida como dirección de fotografía o cinematografía, es un elemento fundamental que contribuye significativamente a la estética y narrativa visual de una película. Esta disciplina combina el arte y la técnica para capturar la visión del director a través de la cámara. Aquí te detallo algunos aspectos clave de la fotografía en el cine:

1. Director de Fotografía (DP o DOP)

El director de fotografía es el responsable de la calidad visual de la película. Trabaja en estrecha colaboración con el director para crear el aspecto y el ambiente deseado para cada escena.

2. Iluminación

La iluminación es esencial para establecer el tono, la atmósfera y el estado de ánimo de una escena. Diferentes técnicas y fuentes de luz (naturales y artificiales) se utilizan para crear efectos específicos. Por ejemplo, la luz dura puede generar sombras dramáticas, mientras que la luz suave puede crear una sensación más difusa y etérea.

3. Composición

La composición se refiere a cómo se organiza visualmente todo lo que aparece en el encuadre. Esto incluye la posición de los actores, los objetos y la forma en que se utilizan los espacios. Las reglas de composición, como la regla de los tercios, ayudan a crear imágenes visualmente atractivas y equilibradas.

4. Movimiento de Cámara

El movimiento de la cámara puede influir en la narrativa y la emoción de una escena. Esto incluye técnicas como el travelling, los paneos, las grúas y los steadicams. Cada tipo de movimiento tiene un efecto diferente en cómo el público percibe la acción.

5. Tipos de Lentes

El tipo de lente utilizado afecta la perspectiva y la profundidad de campo. Las lentes de gran angular pueden exagerar la perspectiva y capturar más del entorno, mientras que las lentes telefoto pueden comprimir la distancia y enfocar detalles específicos.

6. Color y Filtros

El uso del color y los filtros puede transformar una escena. Los colores pueden tener significados simbólicos o emocionales y los filtros pueden cambiar el tono general de la imagen, creando efectos específicos como el día a noche o el cambio de estaciones.

7. Formato y Resolución

El formato de la película (35mm, 70mm, digital) y la resolución (HD, 4K, 8K) afectan la calidad de la imagen. Las decisiones sobre el formato y la resolución dependen del estilo visual deseado y de los requisitos técnicos del proyecto.

8. Postproducción

La cinematografía no termina con la filmación. En la postproducción, el color grading y otros ajustes pueden alterar significativamente la apariencia final de la película. Esta etapa permite corregir colores, ajustar niveles de luz y añadir efectos visuales.

9. Ejemplos Destacados

Algunas películas conocidas por su excepcional cinematografía incluyen "Blade Runner" (1982), "El árbol de la vida" (2011), "El renacido" (2015) y "1917" (2019). Cada una de estas películas demuestra cómo la dirección de fotografía puede enriquecer la narrativa y la experiencia visual del espectador.

La fotografía en el cine es una colaboración creativa que requiere una comprensión profunda de la técnica y una visión artística clara. Es fundamental para crear una conexión emocional con la audiencia y para contar una historia de manera visualmente impactante.

    Parasite (2019)

Kill Bill vol.1. (2003)

La fotonovela en Colombia

La fotonovela en Colombia tuvo un impacto significativo, similar al de otros países de América Latina, especialmente durante las décadas de 1960 y 1970. Este formato combinó fotografía y narrativa escrita, ofreciendo una forma de entretenimiento accesible y popular entre diversos sectores de la población.

Orígenes y Popularidad

La fotonovela llegó a Colombia inspirada por el éxito que este formato había tenido en México y otros países latinoamericanos. En Colombia, las fotonovelas se convirtieron en una forma de entretenimiento masivo, especialmente en áreas urbanas y rurales donde el acceso a otros medios de comunicación era limitado.

Temáticas y Géneros

Las fotonovelas colombianas abarcaban una variedad de géneros, aunque las historias de romance y drama fueron las más populares. También se produjeron fotonovelas de acción, crimen y suspenso. Las historias a menudo reflejaban las realidades sociales, económicas y emocionales de los colombianos, abordando temas como el amor, la traición, la justicia y la vida cotidiana.

Producción y Distribución

Varias editoriales y revistas se dedicaron a la producción y distribución de fotonovelas en Colombia. Las revistas de fotonovelas se vendían en quioscos y eran accesibles para una amplia audiencia. Algunas de las publicaciones más conocidas incluyeron títulos que se distribuían ampliamente y que a menudo presentaban a actores locales en sus historias.

Impacto Cultural

La fotonovela tuvo un impacto cultural considerable en Colombia. Se convirtió en una forma importante de entretenimiento y una manera de escapar de las dificultades de la vida diaria. Además, las fotonovelas sirvieron como un medio para la educación y la difusión de mensajes sociales y morales.

Declive

Con la llegada de la televisión y, posteriormente, de nuevas formas de entretenimiento digital, la popularidad de las fotonovelas en Colombia comenzó a disminuir en las décadas de 1980 y 1990. Sin embargo, su legado perdura en la memoria cultural y en la nostalgia de aquellos que crecieron leyendo estas historias.

Ejemplos Notables

Aunque no se tienen tantos registros específicos de títulos famosos como en otros países, las fotonovelas producidas en Colombia siguieron el estilo y las temáticas populares en la región. La influencia mexicana fue fuerte, y muchas veces se importaron historias y formatos para adaptarlos al público colombiano.

La fotonovela en Colombia fue una forma de entretenimiento popular y accesible que tuvo un impacto duradero en la cultura del país. Reflejaba las experiencias y aspiraciones de su audiencia, ofreciendo tanto escapismo como una representación de la vida cotidiana.

La Fotonovela

 

La Fotonovela: Una Historia Emocionante

¿Sabías que hay una manera de contar historias que combina fotos y palabras, como una película en papel? ¡Eso es la fotonovela!

¿Qué es una Fotonovela?

Una fotonovela es como un cómic, pero en lugar de dibujos, usa fotografías. Imagina leer una historia donde los personajes son personas reales y los escenarios son lugares que existen de verdad. Cada foto tiene globos de diálogo y pequeñas narraciones, como los cómics que conoces.

¿Dónde y Cuándo Empezaron?

Las fotonovelas comenzaron en Italia en los años 40. En ese tiempo, las revistas empezaron a incluir historias románticas usando fotos en lugar de dibujos. ¡Eran súper populares!

Las Fotonovelas en América Latina

Muy pronto, las fotonovelas llegaron a América Latina, especialmente a México, donde se volvieron un fenómeno entre los años 60 y 80. Las revistas de fotonovelas se vendían muchísimo. Eran tan populares porque las historias reflejaban la vida real de la gente, con romances, aventuras y dramas que todos podían entender.

¿Cómo se Hacen?

Las fotonovelas se hacen con actores que posan para las fotos, interpretando a los personajes de la historia. Luego, las fotos se ordenan en páginas, y se añaden los globos de diálogo y las narraciones. ¡Es como si estuvieras viendo una película en fotos!

¿Por Qué Fueron Tan Importantes?

Las fotonovelas no solo eran divertidas de leer, también hablaban de cosas importantes como la justicia, el amor y los problemas de la sociedad. Eran una forma fácil y barata de aprender y entretenerse. Además, muchas veces trataban temas serios como la desigualdad y los derechos de las mujeres, ayudando a la gente a pensar y discutir sobre estos temas.

¿Qué Pasó Después?

Con la llegada de la televisión y otros medios modernos, las fotonovelas empezaron a ser menos populares. Pero ahora, con la tecnología digital, hay un nuevo interés por ellas. Algunas personas están creando fotonovelas digitales que puedes leer en tu computadora o tableta.

En Resumen

La fotonovela es una manera genial de contar historias usando fotos y palabras. Ha sido una parte importante de la cultura en muchos países y sigue inspirando a las nuevas generaciones. ¡Quién sabe, tal vez tú podrías crear la próxima gran fotonovela!

Comandos para Editar en Pixlr y la Historia de su Creación

Comandos para Editar en Pixlr y la Historia de su Creación

Comandos para Editar en Pixlr

Pixlr es una herramienta en línea potente y versátil para la edición de imágenes. Ofrece una variedad de comandos y funcionalidades que permiten a los usuarios realizar desde ajustes básicos hasta ediciones avanzadas. Aquí te presento algunos de los comandos más utilizados en Pixlr:

1. Herramienta de Selección: Permite seleccionar áreas específicas de la imagen para editarlas. Incluye herramientas como la selección rectangular, el lazo y la varita mágica.

2. Cortar, Copiar y Pegar: Estos comandos básicos de edición permiten mover partes de la imagen a diferentes áreas o a otros documentos.

3. Herramienta de Pincel: Utilizada para dibujar y pintar en la imagen. Se puede ajustar el tamaño y la dureza del pincel.

4. Relleno: La herramienta de cubeta de pintura permite rellenar áreas con un color sólido.

5. Herramienta de Texto: Permite añadir texto a la imagen con diversas opciones de fuente, tamaño, color y estilo.

6. Filtros y Efectos: Pixlr ofrece una variedad de filtros y efectos predefinidos que pueden aplicarse para mejorar o transformar la apariencia de una imagen.

7. Ajustes de Imagen: Incluyen comandos como brillo y contraste, saturación, tono, y niveles, que permiten modificar las propiedades de la imagen.

8. Capas: Las capas permiten trabajar de manera más organizada, colocando diferentes elementos de la imagen en capas separadas que pueden editarse independientemente.

9. Herramienta de Clonación: Se utiliza para duplicar partes de una imagen y aplicarlas en otras áreas, útil para retocar y eliminar imperfecciones.

10. Transformar: Incluye opciones para redimensionar, rotar y distorsionar la imagen o las capas.

Historia de la Creación de Pixlr

Pixlr fue creado en 2008 por el desarrollador sueco Ola Sevandersson. Su objetivo era proporcionar una herramienta de edición de imágenes accesible y gratuita que pudiera ser utilizada directamente en el navegador, eliminando la necesidad de descargar software pesado. La idea era democratizar el acceso a la edición de imágenes, haciéndola disponible para cualquier persona con acceso a Internet.

Inicialmente, Pixlr se lanzó como una aplicación simple, pero con el tiempo, sus funcionalidades se expandieron para incluir características avanzadas que competían con software de edición de imágenes profesionales. En 2011, Autodesk, una empresa conocida por su software de diseño y modelado 3D, adquirió Pixlr, lo que permitió mayores desarrollos y mejoras en la plataforma.

En 2017, 123RF, una empresa de imágenes de stock, adquirió Pixlr de Autodesk, continuando con el desarrollo y la expansión de sus capacidades. Hoy en día, Pixlr es una de las herramientas de edición de imágenes en línea más populares, utilizada por millones de personas en todo el mundo por su combinación de accesibilidad y potencia.

Herramientas de software libre para editar fotografías

 Las herramientas de software libre para editar fotografías son muy útiles y accesibles para todos. Aquí te hablo sobre algunas de las más populares, incluyendo Pixlr y Remove.bg.

Pixlr

Pixlr es una poderosa herramienta en línea para la edición de fotos. Es muy popular porque es gratuita y fácil de usar. Aquí están algunas de sus características principales:

• Interfaz amigable: Tiene una interfaz intuitiva que es fácil de entender, incluso para principiantes.
• Edición básica y avanzada: Ofrece herramientas básicas como recortar, redimensionar y ajustar colores, así como opciones más avanzadas como capas y efectos especiales.
• Filtros y efectos: Puedes aplicar una variedad de filtros y efectos para mejorar tus fotos.
• Accesibilidad: Funciona en cualquier navegador web, por lo que no necesitas descargar ni instalar nada.
• Versión móvil: También tiene aplicaciones móviles para editar fotos sobre la marcha.

Remove.bg

Remove.bg es una herramienta en línea que se especializa en eliminar el fondo de las imágenes de manera automática y precisa. Es muy útil para crear imágenes con fondos transparentes. Aquí están sus características:

• Automatización: Usa inteligencia artificial para detectar y eliminar el fondo de las fotos en segundos.
• Precisión: Funciona muy bien con personas, objetos y animales, logrando recortes precisos.
• Simplicidad: Solo necesitas subir tu imagen y la herramienta hace todo el trabajo por ti.
• Integraciones: Ofrece integraciones con otros programas de diseño gráfico como Photoshop.
• Uso gratuito y opciones premium: Puedes usar la herramienta de forma gratuita para imágenes de baja resolución, pero también ofrece opciones de pago para obtener imágenes de alta resolución y más funciones.

Otras Herramientas de Software Libre

Además de Pixlr y Remove.bg, hay otras herramientas de software libre para editar fotografías que también son muy populares:

GIMP (GNU Image Manipulation Program)

• Gratuito y de código abierto: GIMP es un programa de edición de imágenes completamente gratuito y de código abierto.
• Potente: Ofrece una amplia gama de herramientas y funciones que rivalizan con programas comerciales como Photoshop.
• Personalizable: Puedes añadir plugins y scripts para extender sus capacidades.
• Multiplataforma: Disponible para Windows, Mac y Linux.

Krita

• Enfoque en la ilustración y pintura digital: Krita es ideal para artistas digitales, pero también ofrece herramientas de edición de fotos.
• Gratuito y de código abierto: Al igual que GIMP, es gratuito y de código abierto.
• Interfaz intuitiva: Tiene una interfaz amigable y fácil de usar, especialmente para artistas.
• Herramientas avanzadas: Ofrece capas, máscaras, filtros y más.

Darktable

• Revelado de fotos RAW: Darktable es una excelente opción para fotógrafos que necesitan editar archivos RAW.
• Gratuito y de código abierto: También es gratuito y de código abierto.
• Funciones profesionales: Ofrece una variedad de herramientas de corrección de color, exposición y más.
• Multiplataforma: Disponible para Windows, Mac y Linux.

Las herramientas de software libre para editar fotografías, como Pixlr y Remove.bg, ofrecen opciones accesibles y poderosas para todos, desde principiantes hasta profesionales. Con estas herramientas, puedes mejorar tus fotos, eliminar fondos y realizar ediciones avanzadas sin costo alguno. ¡Explora y encuentra la que mejor se adapte a tus necesidades!

Composición fotográfica

 La Fotografía Arquitectónica

La fotografía arquitectónica es una especialidad que se enfoca en capturar la esencia y estética de estructuras y edificaciones. Este tipo de fotografía no solo documenta edificios, sino que también busca destacar su diseño, forma, y relación con el entorno.

Una de las principales consideraciones en la fotografía arquitectónica es la perspectiva. Los fotógrafos deben decidir cómo posicionarse para capturar el edificio de la manera más efectiva, usando ángulos que resalten su estructura y diseño único. La corrección de distorsiones, especialmente las líneas convergentes, es crucial para mantener la precisión y fidelidad del diseño arquitectónico.

La luz juega un papel fundamental. Las condiciones de iluminación, ya sean naturales o artificiales, pueden transformar la apariencia de un edificio. Los fotógrafos suelen aprovechar las horas doradas (amanecer y atardecer) para obtener sombras suaves y colores cálidos, o incluso la iluminación nocturna para destacar detalles específicos mediante luces artificiales.

La composición también es vital en la fotografía arquitectónica. Técnicas como la simetría, el uso de reflejos y el encuadre pueden ayudar a crear imágenes impactantes que capturen la esencia del edificio. Los detalles arquitectónicos, como texturas, materiales y ornamentos, también son temas importantes que los fotógrafos buscan resaltar.

La fotografía arquitectónica va más allá de la mera documentación; es una disciplina que requiere un ojo agudo para el detalle, una comprensión profunda de la luz y la perspectiva, y una apreciación del diseño arquitectónico para crear imágenes que realmente capturen la grandeza y belleza de las edificaciones.

El vestuario en el cine

El vestuario en el cine ha experimentado una notable evolución a lo largo de la historia de la industria cinematográfica, desempeñando un papel crucial en la creación de personajes icónicos y la ambientación de mundos fantásticos. Desde los primeros superhéroes en la pantalla grande hasta las producciones más recientes, el diseño de vestuario ha sido fundamental para dar vida a estos personajes extraordinarios.

En las primeras adaptaciones de cómics al cine, los trajes de los superhéroes se basaban en diseños simples y fieles a los cómics originales. Sin embargo, a medida que la tecnología cinematográfica avanzaba, los diseñadores de vestuario se embarcaron en la tarea de recrear trajes más realistas y visualmente impactantes. Películas como "Superman" (1978), con su icónico traje azul y rojo, y "Batman" (1989), con su armadura oscura y distintiva capa, marcaron el comienzo de una nueva era en el diseño de vestuario para superhéroes en el cine.

Con el auge del género de superhéroes en la década de 2000, películas como "Spider-Man" (2002) y "Iron Man" (2008) llevaron el diseño de vestuario a nuevas alturas, combinando tecnología avanzada con estilos visuales únicos. El reconocimiento del vestuario en el cine de superhéroes se refleja en los premios de la Academia, con películas como "Black Panther" (2018) y "Aquaman" (2018) ganando el premio Oscar a Mejor Diseño de Vestuario, destacando la habilidad de los diseñadores para crear trajes impresionantes que reflejan la grandeza y la singularidad de los personajes de los cómics.

Realiza la ilustración en el cuaderno

 

La Iluminación en la Fotografía

 La Iluminación en la Fotografía

La iluminación es uno de los elementos más cruciales en la fotografía. Determina la apariencia, el tono y la atmósfera de una imagen, y es fundamental para resaltar detalles, crear sombras y establecer el ambiente deseado. A continuación, se presenta una exploración de los conceptos y técnicas clave en la iluminación fotográfica.

Tipos de Iluminación

Luz Natural: Proviene del sol y es valorada por su calidad y variabilidad. Dependiendo de la hora del día y las condiciones climáticas, la luz natural puede ser suave y difusa o dura y direccional. Los fotógrafos a menudo planifican sus sesiones fotográficas en función de la "hora dorada" (el período justo después del amanecer y antes del atardecer) cuando la luz es cálida y suave.

Luz Artificial: Se refiere a cualquier fuente de luz creada por el hombre, como bombillas, luces de estudio, flashes, y LEDs. La luz artificial ofrece un control total sobre la intensidad, dirección y color, permitiendo a los fotógrafos experimentar y ajustar la iluminación según sus necesidades.

Direcciones de la Luz

Frontal: La luz que viene directamente frente al sujeto. Ilumina uniformemente, reduciendo sombras, pero puede resultar en imágenes planas sin mucha profundidad.

Lateral: La luz que proviene de un lado del sujeto. Crea sombras fuertes y resalta texturas, añadiendo profundidad y dimensión a la imagen.

Contraluz: La luz que proviene desde atrás del sujeto. Puede crear siluetas dramáticas y destacar el contorno del sujeto, pero requiere un buen manejo para evitar que el sujeto quede subexpuesto.

Cenital: La luz que viene desde arriba. Es común en exteriores al mediodía. Puede crear sombras duras y poco favorecedoras si no se maneja adecuadamente.

Nadir: La luz que viene desde abajo. Rara en fotografía estándar, a menudo utilizada en efectos especiales para crear una atmósfera inquietante o surrealista.

Calidad de la Luz

Luz Dura: Proporciona sombras definidas y contrastes altos. Es producida por fuentes de luz pequeñas y directas, como un flash sin difusor.

Luz Suave: Crea sombras suaves y transiciones de luz más graduales. Es producida por fuentes de luz grandes o a través de difusores que dispersan la luz.

Temperatura de Color

La temperatura de color mide el color de la luz y se expresa en grados Kelvin (K). La luz cálida (baja temperatura de color) tiene un tono anaranjado/amarillo, como la luz de una vela (aproximadamente 2000K a 3000K). La luz fría (alta temperatura de color) tiene un tono azul/blanco, como la luz del día en un cielo despejado (aproximadamente 5000K a 6500K). Ajustar la temperatura de color es esencial para asegurar que los colores en la fotografía se vean naturales.

Técnicas y Equipos

Reflectores: Superficies reflectantes utilizadas para redirigir la luz hacia el sujeto, suavizando sombras y añadiendo luz de relleno.

Difusores: Materiales que dispersan la luz, creando una iluminación más suave y uniforme.

Geles de Colores: Filtros de plástico que se colocan frente a las luces para cambiar su color, permitiendo ajustes creativos en la temperatura de color y la atmósfera de la imagen.

Modificadores de Luz: Accesorios como softboxes, paraguas y snoots que controlan la dirección y la calidad de la luz, ofreciendo al fotógrafo mayor control creativo.

Conclusión

La iluminación en la fotografía es una herramienta poderosa que, cuando se maneja adecuadamente, puede transformar una imagen de ordinaria a extraordinaria. Entender los tipos de luz, las direcciones, la calidad, la temperatura de color y las técnicas de iluminación es esencial para cualquier fotógrafo que busque mejorar su arte y capturar imágenes impactantes.

Iluminación fotográfica

 En la siguiente imagen encontrarás el esquema básico de iluminación en estudio fotográfico. 

Teoría del Color

 

El color

 

¿Qué son los planos fotográficos y para qué nos sirven?

 ¿Qué son los planos fotográficos y para qué nos sirven?

Puede que ya sepan (o no) que son los planos fotográficos, pero sin importar el caso, vamos a revisarlos uno a uno. Hay varios planos pero podemos resumirlos en siete.

Aunque algunos términos pueden variar según la región del mundo, son similares en casi todos los lugares. Estos siete planos son:

1. General (PG)

2. Americano / Tres Cuartos (PA)

3. Medio  (PM)

4. Medio Corto (PMC)

5. Primer Plano (PP)

6. Primerísimo Primer Plano (PPP)

7. Plano Detalle (PD)

Cada uno de los planos fotográficos cumplen una función más allá de la estética si se saben utilizar de forma adecuada. Esto aplica tanto en fotografía como en video.

 

Tipos de cámaras

Las cámaras se pueden clasificar en función de muchas cosas: del soporte en que se almacenan las imágenes (analógico o digital), del tamaño del sensor o película, del tamaño (compactas, bridge, DSLR) o también en función del grado de automatismo (esto más bien en la era analógica en la que había cámaras manuales y cámaras automáticas).

No entraré en detalle sobre las cámaras analógicas. Me limitaré a poner una foto con alguna de estas maravillas.

Compactas

Son las más extendidas por su facilidad de manejo. Son pequeñas y por tanto el tamaño de su sensor también lo es. Es su principal desventaja.

Son ideales para viajar o llevar a cualquier sitio porque caben en un bolsillo.

Intemedias o bridge 

Es el siguiente escalón en tamaño. A diferencia de las compactas el sensor de este tipo de cámaras es ligeramente superior, lo que supone un aumento en la nitidez y calidad de las fotos, así como en la posibilidad de obtener ampliaciones más grandes sin perder calidad.

Tienen más funcionalidades que las compactas. Las lentes son de mejor calidad y suelen tener un zoom no intercambiable habitualmente con mayor alcance que las compactas.

Réflex o DSLR

El tamaño del sensor es notablemente mayor que en las cámaras bridge. Por tanto la nitidez y calidad de las fotos es claramente superior.

Como principales ventajas la cámara DSLR permite el intercambio de objetivos, dispone de un visor réflex que muestra con mucha precisión el resultado definitivo de las fotos, cuenta con más funcionalidades que te permiten ser mucho más creativo y controlar con más exactitud el proceso de tomar una foto.

Historia de la fotografía

 

Evolución de la Cámara Fotográfica: Del Rollo a lo Digital

Evolución de la Cámara Fotográfica: Del Rollo a lo Digital

La historia de la fotografía ha experimentado una notable evolución, pasando de las cámaras de rollo a las cámaras digitales. Las cámaras de rollo, con su limitada capacidad y proceso de revelado, fueron reemplazadas por cámaras analógicas que mejoraron la calidad de imagen. Sin embargo, el cambio revolucionario ocurrió con las cámaras digitales, eliminando la necesidad de película y permitiendo visualizar y almacenar imágenes directamente en formato digital.

A lo largo del tiempo, las cámaras digitales han experimentado avances tecnológicos significativos, mejorando la resolución, la capacidad de almacenamiento y la conectividad a internet. La diversificación del mercado llevó a la creación de cámaras compactas, DSLR y mirrorless, adaptándose a diferentes necesidades de los usuarios. La popularidad de los smartphones equipados con cámaras avanzadas ha llevado la fotografía a un nivel aún más accesible y ubicuo, democratizando la captura de momentos importantes. 

En resumen, la evolución de la cámara fotográfica ha transformado la manera en que documentamos y compartimos nuestras experiencias visuales.

El ojo humano y la cámara fotográfica

 

El Ojo Humano y su Parecido con una Cámara

El Fascinante Mundo del Ojo Humano y su Parecido con una Cámara

El ojo humano, ese pequeño órgano que nos permite explorar y descubrir el mundo que nos rodea, es una maravilla de la naturaleza. Aunque no siempre nos detenemos a pensar en ello, el ojo humano comparte sorprendentes similitudes con una cámara fotográfica.

Estructura del Ojo:

El ojo humano está compuesto por varias partes que trabajan juntas para capturar y procesar la luz. En la parte frontal del ojo, encontramos la córnea, que actúa como el cristal de una cámara al enfocar la luz que entra. Luego, la pupila, como el diafragma de una cámara, ajusta el tamaño para regular la cantidad de luz que entra en el ojo. Detrás de la pupila, la lente, similar a la lente de una cámara, enfoca la luz en la retina, que cumple la función de la película fotográfica.

Capturando la Luz:

Cuando la luz atraviesa la pupila y llega a la retina, se encuentran células sensibles a la luz llamadas conos y bastones. Los conos permiten ver los colores, mientras que los bastones son responsables de la visión en condiciones de baja iluminación. Estas células convierten la luz en señales eléctricas, que luego son enviadas al cerebro a través del nervio óptico, actuando como el cable que conecta la cámara al procesador.

Procesamiento de la Imagen:

Una vez que las señales eléctricas llegan al cerebro, este las interpreta y forma la imagen final. Es impresionante cómo el cerebro organiza la información visual para que podamos percibir el mundo a nuestro alrededor.

Similitudes con una Cámara:

Al comparar el ojo humano con una cámara, podemos notar la asombrosa ingeniería que ambos comparten. Ambos tienen un sistema de enfoque, regulación de la luz y un mecanismo para capturar imágenes. Sin embargo, el ojo humano va más allá al procesar y entender lo que vemos, añadiendo una capa adicional de complejidad y maravilla.

El ojo humano es una obra maestra de la naturaleza, y su similitud con una cámara nos ayuda a comprender mejor su funcionamiento. La próxima vez que mires a través de una lente, recuerda que tu ojo realiza un proceso igualmente fascinante cada día, permitiéndote experimentar el mundo de manera única y asombrosa. 

La pupila humana